Introducción

En los medios de comunicación se utiliza material que aparenta ser real para entretener y emocionar. Tergiversando el contenido de la información, se genera un nuevo discurso más conveniente.

La oferta de servicios se maneja en términos de marketing. Este modo de estudio ya no se basa sólo en identificar las necesidades del usuario sino que pone más énfasis en como seducir o conmocionar al espectador para que se identifique con el producto o el servicio “novedoso” que calmará sus angustias y resolverá sus problemas.

Desde el arte, la simulación y el espectáculo pueden entenderse como intenciones de crítica ante el flujo masivo de imágenes y su credibilidad indiscutible según el contexto donde se encuentren.

En el arte se puede mentir, dado que no responde a ninguna función social determinada. El arte varía sus formas, sus contenidos y sus medios. Se puede hablar de que el arte es: "El libre juego de nuestras facultades." Kant.

Los artistas de la exposición juegan con los límites de la veracidad, colocándose en posiciones comprometidas, desde una crítica política, social, económica y revisando también el mismo rol del arte como arma efectiva para mejorar la sociedad.

Por lo tanto trabajar desde el arte es una estrategia para penetrar en otros circuitos (políticos, sociales y económicos) donde, el simulacro y el espectáculo, son parte oculta de su funcionamiento.

El discurso que utilizan estos circuitos está basado en hablar desde la verdad y fomentando la comunicación, intentando demostrar una transparencia ficticia. Los artistas se introducen para dejar en evidencia estos mecanismos estratégicos en los que claramente hay intereses ocultos y dobles discursos.

Sobre la exposición "Real Simulation Show"

El proyecto expositivo “Real Simulation Show” se desarrollará en la sala de exposiciones de la Fundación Federico Jorge Klemm*, situada en Buenos Aires, Argentina. Este espacio tiene especial importancia en el mundo del arte contemporáneo argentino junto con la curiosa imagen mediática de su fundador, quien representaba el glamour de una clase social burguesa interesada en romper las estructuras convencionales del arte en Latinoamérica.

El montaje de la exposición busca una coherencia entre la formalización del misma y la posición conceptual de la mayoría de artistas que participan en ella. Priorizando así la intención y desarrollo del proceso por encima de la formalización de las obras.
Proponemos una exposición que explique las obras y su producción, donde la obra en sí no esté presente físicamente.
La documentación estará expuesta en las paredes de la sala mediante proyecciones digitales acompañadas por audio guías que serán entregadas en el ingreso del centro expositivo cuando los visitantes entreguen sus carnés de identidad. Las explicaciones estarán en 3 idiomas (castellano, inglés y francés).
Toda la información proyectada en la sala será extraída de la cobertura que los medios de comunicación hicieron referidas a las obras de los artistas. La imagen que el visitante pueda hacerse de las obras, es a partir de un construcción ajena a las intenciones del artista, que será contrastada por la explicación de la obra hecha por los comisarios de la exposición (mediante las audio guías). Es decir que el acceso del espectador a la obra y al discurso del artista, quizás, no será con los medios propios que él escogió para su visibilidad y presentación. Lo cual puede que afecte directamente en la interpretación de los visitantes.
En la exposición habrá diversos materiales, desde algunos utilizados como prensa de antiguas exposiciones de los artistas, columnas de crítica, programas de divulgación popular, etc.

Con la utilización de estos medios tecnológicos de reproducción de audio intentamos hacer hincapié en la idea de aislamiento, cada espectador deberá de colocarse unos auriculares que lo aislarán del resto de visitantes, lo cual hará que tenga una experiencia solitaria dentro de un espacio público.

"El aislamiento funda la técnica y, en consecuencia, el proceso técnico aisla. Desde el automóvil hasta la televisión, todos los bienes seleccionados por el sistema espectacular constituyen a si mismo sus armas para el refuerzo constante de las condiciones de aislamiento de las "muchedumbres solitarias". Guy Debord

Como complemento de la exposición proponemos un catálogo digital en el que se podrán visualizar las obras. Así, el espectador es invitado a ver las piezas en un formato no original, aislado de la experiencia de presenciar una obra de arte y mediado por una herramienta informática que lo coloca nuevamente en una posición solitaria.
El dvd funcionará como souvenir de la exposición entregado de manera gratuita a la salida de la exposición.



* Fundacion Klemm. Marcelo T. de Alvear 626, Buenos Aires, Argentina.

Fran Meana_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Fran Meana (Avilés , 1982)

"La pintura de paisaje a partir del circuito cerrado de las cámaras de seguridad pervierte los mecanismos de control establecidos para dotarlos de una supuesta libertad tan inocente como perversa, tan romántica como combativa, tan poética como política." David Armengol

“Pintar el trueno”

"Un sistema de video-vigilancia de circuito cerrado instalado por una empresa de seguridad permite monitorizar en el interior de la sala lo que sucede en el exterior. Situadas en la fachada exterior, las cuatro cámaras de seguridad no apuntan ya a zonas clave para la seguridad del edificio sino a zonas de jardines, arbolado y cielo.

Se convierten en una herramienta paisajista, un dispositivo de “pintura paisajista a tiempo real” donde se pueden monitorizar cuatro paisajes

simultáneamente."

"La alteración del uso habitual (norma) de una herramienta de control, su apertura hacia un uso poético (no regido por criterios de rentabilidad,

practicidad o utilidad) donde tanto el exterior como el interior de la sala son indispensables para el “funcionamiento” de la obra.

En su obra “Paisaje para cámaras de seguridad”, Meana apunta. "El acto de situar diferentes maquetas (que recrean imágenes de bosques) frente a las cámaras de seguridad, no sólo desactiva temporalmente su utilidad como elementos de control sino que pretende establecer una relación de complicidad con el agente de seguridad.

Durante la acción, desde la perspectiva del vigilante, el edificio se halla situado en medio de un bosque. La substitución del campo visual habitual, mediante la “intromisión” del paisaje, altera la rutina espacio-temporal del sistema de vigilancia. El continuo movimiento de la ciudad y su ajetreo dan paso a un lugar donde nada parece ocurrir (y por tanto no hay nada que vigilar). Sólo el leve movimiento de las sombras y el roce del viento en los árboles es perceptible y el sistema de videovigilancia se convierte así en un herramienta de pintura paisajista a tiempo real.

Algo aparentemente tan inofensivo como un paisaje y la belleza de una imagen permiten desactivar, aunque sea momentáneamente, el sistema de control. Estableciendo una relación de complicidad que rompe con la habitual relación binaria de oposición (legal-ilegal, amigo-enemigo, bien-mal…) entre los agentes del orden y aquellos que buscan generar espacios de posibilidades mediante estrategias críticas."

“Paisaje para cámaras de seguridad”. Instalación de dimensiones variables. Fotocopia en plotter y maquetas. 2007

“Pintar el trueno” Sistema de video de circuito cerrado, madera y puntales. Medidas variables. 2008.

Santiago Sierra_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Santiago Sierra, Madrid, 1966

En muchos de sus trabajos, Santiago Sierra, utiliza como material de su obra personas trabajadoras que suelen representar minorías que viven en situaciones precarias, ya sea por su condición de inmigrantes, indocumentados, refugiados políticos, trabajadores precarios o minorías segregadas. Maneja el mismo medio al cual critica, remunera a los trabajadores que se encuentran en situaciones precarias y genera cierta violencia y absurdo al encontrarse en un circuito artístico.

Sierra plantea que su trabajo incide en la clase social alta, que cuando sus obras son vendidas por precios altísimos su trabajo se activa, introduciendo la precariedad misma en las colecciones de las personas mas poderosas.

Cuestiona el neo capitalismo dejando en evidencia la perversión de los derechos humanos en el mundo laboral. Siendo cuestionable también su posición desde el punto de vista en que incrementa la propia actividad que critica, enriqueciéndose con ella.

POLIURETANO ESPREADO SOBRE LAS ESPALDAS DE 10 TRABAJADORES, 2004.

10 inmigrantes iraquíes fueron remunerados para colocar poliuretano en sus espaldas en la galería Lisson en Londres.

Gianni Motti_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Gianni Motti (1958, Sondrio)

"Estar en el lugar equivocado en el momento justo"

En julio de 1989 Motti viajó al pueblo español de Ribarteme para la celebración de la patrona del lugar, Santa Marta. El día de la ceremonia, el diario local anuncia la muerte del artista. Después, fingiéndose muerto dentro de un ataúd, Motti fue llevado al interior de la iglesia por cuatro asistentes. El cura, emocionado por el hecho de que ese extranjero hubiera deseado encomendar su alma a la santa local, le dedicó al muerto la misa del día. El coro cantó réquiems; las lloronas lloraron y todo el pueblo siguió la procesión hasta el cementerio. Allí el ataúd fue ubicado cerca de una tumba abierta, cavada para alguien que sería enterrado al día siguiente. La multitud esperó silenciosa bajo el terrible calor del verano gallego. Motti tenía que reaccionar. Y de pronto emergió del ataúd.

Estupefacta, la multitud empezó a tocarlo, a pellizcarlo, a arrancarle la ropa. Motti apenas se las arregló para liberarse y escapar.

Poco después el artista supo que su féretro había sido desarmado y subastado. Se las arregló para conseguirse un pedazo, así como un video y fotografías de la procesión tomadas por desconocidos.

Mientras otros artistas hubieran hecho cualquier cosa por documentar este tipo de evento, usando videos, fotografías y entrevistas para construir un corpus de trabajo, él no. La diseminación y grabación de sus eventos es delegada a los medios, o a los testigos. Motti evita el mundo del arte, nunca está donde se lo espera, juega con las expectativas y las frustra, generando espacios nuevos de actuación.

Su trabajo desafía a la autoridad en su propio terreno. Utiliza los acontecimientos cotidianos y la información diaria que emiten los medios de comunicación para cuestionar nuestras creencias y sistema de valores.

Se mueve en diferentes áreas, lo político, lo social, lo moral y desde allí, con los mismos códigos genera un shock, un desconcierto, de un modo casi lúdico pero con intenciones muy incisivas en desarticular las estructuras de poder dejándolas en evidencia.

Rubén Grilo_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Rubén Grilo (1981, Lugo)

Participa del ciclo de exposiciones de “Violentant la imatge” en La Sala 14 del Museu Comarcal de la Garrotxa en el año 2006, presentando un proyecto titulado 'Renunciar a 50 ideas para una exposición' en el que “Se trataba de plantear ideas pero desarrollándolas solo en boceto. Esto implicaba realizar acciones que fueran en contra de la idea original. Una de estas ideas consistía en meter en una cápsula mis deseos más inconfesables (todo aquello que no te atreverías a reconocer en alto sobre tí mismo pero que sabes que es verdad) para abrir a continuación un boquete en una pared del museo, meter la cápsula dentro y tapiarla para siempre. Para renunciar activamente a esta idea, envié la cápsula al lugar más remoto posible con el que me pudiera comunicar (en inglés). Este lugar fue Hobart, en Tasmania. Elegí una dirección al azar del listín telefónico de Hobart y envié la cápsula. La historia le pareció graciosa al director del museo, así que decidimos inventarnos el siguiente capítulo. Nos sacamos de la manga una historia en la que contábamos que la cápsula había llegado a manos de una señora que se había fascinado con la idea y que había contactado con una galería de Hobart, que al final había decidido realizar una exposición paralela en su galería. Buscamos el nombre y el apellido más comunes de la localidad (Emma Gibbon), manipulamos una fotografía y mandamos una nota de prensa con la noticia. Como la verdad se fabrica desde posiciones de poder y tenía la complicidad del director del museo, todos picaron el anzuelo y la historia empezó a formar parte de la exposición de Olot. El día de la inauguración la regidora de cultura y los periodistas me preguntaban básicamente por eso. Mentí todo lo bien que pude. Días después salió la noticia publicada en varios diarios locales”.

"Renunciar a 50 ideas para una exposición", Olot, 2006

Maurizio Cattelan_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Maurizio Cattelan (Padua, 1960)

Su trabajo está constituido por esculturas hiperrealistas cargadas de crítica.

La utilización de iconos históricos, políticos y sociales y su ubicación en diferentes contextos generan siempre una revolución mediática. Esto hace que cada vez más se lo reconozca como un artista que genera controversia. Esta revuelta medíatica es utilizada para que los temas tratados en su obra trasciendan el circuito artístico y lleguen a la gente como generadores de cuestionamientos morales.

Cuando invitan a Cattelan a una entrevista nunca se presenta personalmente sino que envía a un actor que hace de él para responder a las preguntas y hablar de su obra. Esto hace que de alguna manera también acepte la simulación y el espectáculo como medio para generar su propia imagen.

En la pieza “untitled”, Cattelan hace una instalación en el árbol más antiguo de Milán. Coloca tres figuras hiperrealistas de niños colgados de sogas de las ramas del árbol. Este es un ejemplo de cómo sus obras generan polémica y hasta acciones por parte de los vecinos de intentar desmontar su instalación.

“Untitled”, tres piezas de resina poliéster colgadas de un árbol. Milán. (2004)

Erik Nordenankar_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Erik Nordenankar

El dibujo más grande del mundo.
Línea aérea que pasa por 6 continentes y 62 países. La distancia total del recorrido es de 110664 km.

Con la ayuda de un dispositivo GPS y la empresa DHL, el sueco Erik Nordenankar dibujó su autorretrato mediante una maleta con un GPS dentro, viajando por el mundo siguiendo los coordenadas dadas de antemano por el artista.
El proyecto está documentado con videos, documentos (facturas, hojas de cálculos de vuelo) e imágenes.

Durante la primavera de 2008 este proyecto circuló por Internet vía mail, varios blogs y medios de comunicación tradicionales.
La Red funciona como un conductor de información de fiabilidad variable, donde no tiene mucha importancia verificar o certificar lo que en ella circula. La velocidad de transferencia es alta y la dispersión de la información es muy efectiva para trabajos como este.

Se ha hablado tanto del proyecto, que su autor se ha visto obligado a reconocer en su pagina Web que se trata de un simulacro realizado como proyecto final de carrera.

Vanessa Beecroft_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Vanessa Beecroft (Génova, 1969)

En su obra, Beecroft utiliza la performance como provocación, utilizando elementos del mundo de la moda y su espectáculo. Inicia su trabajo a partir de un problema con su alimentación, la bulimia. Durante años llevaba un diario que meticulosamente contenía toda la información sobre su dieta.
Quizás su obra habla de esa enfermedad para dar visibilidad a la vergüenza que siente muchas personas que la padecen. Ha convertido su vergüenza en un acto de glamour, cuestionando los modelos de belleza aprendidos.
Quizás existe una provocación sexual, pero realmente no hay ningún contenido en ese aspecto. Mas bien puede leerse una asexualidad de las modelos que deberían ser estándares de feminidad y seducción.
Un aspecto interesante es el hecho de que su obra es performance, mientras las fotografías son documentos de la obra. En el fondo es contradictorio dado que la fotos son mucho más conocidas que la obra en sí. También juega con la espectacularidad de la puesta en escena plasmada en las imágenes y la belleza sus modelos.
El factor tiempo es muy importante, quita todo glamour y el referente directo al mundo de la moda en el que todo ocurre a mucha velocidad, queda desactivado. La pasividad y espera que vive el espectador puede hacer que se genere cierta empatía con la penitencia que vivencian las modelos de la performance.

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Christian Moeller_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Christian Moeller (Frankfurt am Mein, 1959)

Cheese
Christian Moeller es un artista que trabaja con medios y tecnologías contemporáneos creando obra muy diversa desde objetos , arquitectura, cine, computación y música.

Grabadas por una cámara de video, seis actrices intentan mantener su sonrisa durante el máximo de tiempo posible.
Cada sonrisa es mesurada por un programa informático de reconocimiento de "emociones" y, en cuanto el display que mide la alegría baja hasta un cierto mínimo, una alarma suena y avisa a las actrices de que deben esforzarse más y mostrar más sinceridad.
Seis monitores de plasma muestran en una sala la sequencia. Se crea un ambiente de amabilidad forzada y controlada.

Ver video

Antonio Ortega_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Antonio Ortega (Sant Celoni, 1968)

"Fe y entusiasmo"
Una serie de trabajos con Yola Berrocal, promoviendo la idea de popularidad como estrategia de visibilidad. El personaje de Yola Berrocal es una parodia de personajes famosos tradicionales.

Yola Berrocal pintada posando como la Maja desnuda de Francisco de Goya. Es una pintura grande en la cual los roles de artista y musa serán representados por una pareja de personajes patéticos que intentan huir de su clase social.
El cuadro fue exhibido en ARCO 2008 en la Galerie Elisabeth & Klaus Thoman. La meta del día de la inauguración fue llamar la atención al Rey Juan Carlos I.
Yola Berrocal consiguió saludarle y darle la mano, entonces, Yola conoció al Rey.

Según el propio Ortega,“después de Duchamp cualquier cosa puede ser arte y después de Beuys cualquiera puede ser artista.”
“Es obvio que promoviendo a Yola me ayuda a auto-promoverme a mi mismo”.

La oferta siempre sigue la demanda. Ortega se compara a sí mismo, como artista, con los personajes pseudo-famosos de la televisión. La diferencia es que "el artista" busca la fama imponiendo su ego, mientras que los famosillos son más generosos porque dan al público lo que quieren.
El trabajo con Yola Berrocal trata de enseñar la importancia de ser conocido/famoso para ser visible. Todo artista necesita un público y Yola es la metáfora de la condición del artista.
Ella busca la fama, trabajando sobre la base de fe y el entusiasmo.
En el fondo Antonio Ortega parte de la creencia de que no hay nada más patético que un artista, actor o cantante que no tiene éxito, dado que sólo pequeñas dosis de éxito pueden neutralizar el sentimiento naif del artista.



"La maja de Yola", óleo sobre tela, 200 x 400 cm. 2007.



Cuando Yola conoció al Rey...

Igor Vamos_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Igor Vamos

La Barbie Liberation Organization (BLO) se formó en 1989.
Para acabar, o al menos llamar la atención a la imagen sexista de la muñeca, la BLO organizó una intervención unos días antes de navidades.
La Teen Talk Barbie fue la elegida. Además de tener una imagen anoréxica es promovedora del consumismo, pronunciaba frases como estas:

¡La matemática es difícil!
¡Me encanta ir de compras!
¡Nunca tendremos suficiente ropa!

El grupo se aprovechó de las similitudes entre el hardware de voz de la muñeca Barbie y la “figura de acción” Talking Duke G.I. Joe. Se intercambiaron las cajas de voz de 300 muñecas y de 300 figuras de acción, para de esta manera hacer hincapié en los estereotipos que los juguetes ofrecen a los niños.

La BLO devolvió las muñecas alteradas a las tiendas, quienes sin enterarse las vendieron a padres de niños esperanzados antes de las navidades.
De repente había que utilizar la imaginación para jugar con una Barbie que gritaba “¡Hombres muertos no dicen mentiras!” o un G.I.Joe que exclamaba: “¡Vamos a planear nuestra boda de ensueño!”
Los paquetes contenían unas pegatinas con un mensaje que animaba a llamar a los medios de comunicación para activar la alarma mediática.

"Los beneficios de la intervención eran varios. Las tiendas ganan el doble, estimulamos la economía – el consumidor recibe un producto mejor – y el mensaje se difunde."

La BLO hoy es parte de un gran proyecto por Internet bajo el título The Yesmen. (www.theyesmen.org) Toda persona con aspiraciones a participar en campañanas en contra del capitalismo y los mecanismos del mercado está invitado a reunirse a ellos.

Banksy_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Banksy es el pseudónimo de un popular artista del graffiti inglés. Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía.

Influido por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje) lleva muchos años poniendo mensajes antisistema sobre todo en las calles del este de Londres. Pero desde que alcazó una fama mundial trabaja por casi todo el mundo.
Banksy también trabaja cobrando, para organizaciones benéficas como Greenpeace, y para empresas como Puma y MTV. Vende cuadros de hasta 25.000 libras en circuitos comerciales o en su galería. Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas.

Banksy es conocido por haberse introducido disfrazado, en famosos museos para colgar algunas de sus obras de manera clandestina. De este modo, ha colocado obras suyas en la Tate Modern de Londres, el MOMA, The Metropolitan y el Brooklyn Museum entre otros.
Se trataban siempre de óleos originales de contenido romántico, manipulados por el artista. Introduciendo así, iconos contemporáneos del capitalismo como carros de compra o cámaras de seguridad en los cuadros. Este acto, de alguna manera, es parecido al fenómeno del “Shop-giving” donde se altera el sentido original infectando la lectura del mismo en su propio contexto.

En el 2006 Banksy tuvo una gran exposición en Los Angeles y aprovechó la estancia para hacer una visita a Disneylandia y allí mismo colocar un muñeco hinchable vestido como un preso político de Guantánamo que desde la distancia parecía un hombre.


Banksy visita NY.



Banksy en Disneylandia.

Marc Ecko_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Marc Ecko (Nueva Jersey, 1972)

Still Free es un video de duración de apenas dos minutos, colgado en Youtube.
En el video se percibe como dos personas se acercan a Andrews AFB, el aeropuerto dónde el gobierno estadounidense guarda el avión del presidente, el famoso Air Force One. Dos encapuchados saltan varias rejas burlando la seguridad hasta llegar al avión y con spray negro escribir con mayúsculas el statement: “Still Free” (Aún libre). El video es de calidad baja y grabado con cámara en mano.

En muy poco tiempo, el video llegó a tener 114 millones de visitas en Youtube y su existencia se filtró a los medios de comunicación. Entonces empezó el espectáculo: ¿El video es real?, y si este es el caso, ¿que significa el mensaje? El peso mediático es tal que el Pentágono se ve obligado a denegar la veracidad de las imágenes en varias ocasiones.

Entonces Marc Ecko toma la responsabilidad del video y se explica. La secuencia es un simulacro. El avión es alquilado y pintado por él y su equipo, hasta parecerse a la perfección al 747 del Presidente Bush. Después se grabaron las imágenes y el video se difundió por internet.

“Still free” nace como respuesta a una ley del Estado de Nueva York, que prohíbe a menores de 21 años llevar encima lo que la ley llama “instrumentos de graffiti”. Lo cual, según Marc Ecko es una violación a la constitución de EEUU. Luego un juez le dio la razón y la ley en cuestión fue retirada.

Marc Ecko es sobre todo diseñador, pero también es el propietario de una empresa multinacional. Este simulacro es una reivindicación de la libertad de expresión, pero no deja de ser publicidad para su empresa y sus productos.

0100101110101101.ORG_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

0100101110101101.ORG (Eva and Franco Mattes)

The Hardly Believable Nike Ground Trick
Nike compra calles y plazas: ¿Guerrilla marketing o alucinación colectiva?

En Septiembre del 2003 una noticia capturó todas las portadas de los medios de Austria: “Karlsplatz, una de las plazas más importantes de Viena, pronto se llamará "Nikeplatz". Además del cambio de nombre, parece ser que un gran monumento del logo “Swoosh” de Nike será construido en la misma plaza.”
Todo era falso. La campaña duró un mes y provocó diversas reacciones en la población de Viena. El ayuntamiento y el Grupo Nike negaron cualquier relación con el proyecto. La empresa tomó medidas judiciales contra los artistas, quienes no detuvieron sus acciones.
Esta intervención fue el trabajo del duo artístico Eva y Franco Mattes, también conocidos como 0100101110101101.ORG, que lograron engañar a una ciudad entera, cuestionando la intrusión de los intereses privados en espacios públicos y reivindicando la libertad de adueñarse y manipular los símbolos con los que convivimos a diario.


























Otro proyecto más reciente es una serie de reinterpretaciones de performances históricas dentro de mundos sintéticos como Second Life. Todas las acciones son llevadas a cabo por Eva y Franco Mattes mediante sus "alteregos", construidos a partir de sus cuerpos y rostros. La gente puede venir e interactuar con la performance en vivo conectándose al video-juego desde cualquier rincón del mundo.

(Traducido por R. Nilausen desde http://0100101110101101.org)

Eva y Franco Mattes aka 0100101110101101.ORG
Reenactment of Marina Abramovic and Ulay's Imponderabilia

Synthetic Performance in Second Life, 2007

Kristian von Hornsleth_Introducción de elementos que desactivan temporalmente el funcionamiento del sistema.

Kristian von Hornsleth (Copenhague 1963)

The Hornsleth Village Uganda Project, 2006

¿QUÉ ES THE HORNSLETH VILLAGE?

• The Hornsleth Village es un proyecto de arte.
• 100 personas del pueblo Buteyongera en Uganda cambian su nombre a 'Hornsleth'.
• Cada persona pasará por el proceso oficial de cambiarse el nombre.
• Cada persona tendrá un carné de identidad con su nuevo nombre, 'Hornsleth'.
• Cada persona será fotografiada mostrando su nuevo carné "Hornsleth" .
• Los retratos serán obras de arte originales.
• Las obras fotográficas serán de 120 x 100 cm y serán presentados en varias galerías internacionales.
• Un equipo documental profesional filmará el proceso para el canal público danés, DR2.
• Un libro será publicado con el proceso, mostrando todas las fotografías.
• Críticos de arte y filósofos internacionales serán invitados a participar en el proyecto.
• El proyecto es un negocio entre Hornsleth y los líderes del pueblo en cuestión.
• Los participantes recibirán animales de granja como paga de su participación, según el acuerdo.
• Un sistema reconocido localmente de redistribución de animales será implementado.
• En cinco años, 5.000 personas habrán recibido un animal de este proyecto si continúa según lo planeado.
• Don't worry, this is Art! (No te preocupes, ¡esto es Arte!)

Traducido por R. Nilausen desde www.hornsleth.com

En Octubre de 2006, el ministro de ética de Uganda, Dr. James Nsaba Buturo intenta parar el proyecto por razones éticas; entonces, 270 nuevos Hornsleths habían recibido un cerdo vivo y otros 70 una cabra. Dr. James Nsaba Buturo, ha criticado a Hornsleth por ser racista, obsceno y homosexual entre otras cosas. También se han tomado medidas diplomáticas entre Uganda y Dinamarca para detener el proyecto. El proyecto es ilegal en Uganda y Hornsleth tiene prohibido volver al país.




RODA 003.100
HORNSLETH RODA GALANDA: 2006, 120 x 100 cm, Ed.3



















ROBERT 070.100
HORNSLETH ROBERT MUSISI: 2006: 120 x 100 cm, Ed.3

Atsuko Arai_“la perversidad (...) entre la imagen y su referente, lo supuestamente real (...) ” Baudrillard

Atsuko Arai, Kioto en 1959


Esta artista trabaja desde la construcción de discursos ficticios paralelos sobre la realidad social y geográfica.
A través de la fotografía y con medios variados deja al descubierto la simulación. No oculta sus intenciones de generar otra realidad, sino que la construye, como en el caso de Altrafulla.
Con una estética turística y colorida presenta su trabajo, proponiéndose a si misma como una viajera.
Así también, de un modo sutil pero incisivo, en su proyecto "Vuelta al mundo en Madrid", deja al descubierto las similitudes de la sociedad occidental en cuanto al diseño urbanístico, las actividades de consumo y la vida cotidiana que pueden leerse en cualquiera de las grandes ciudades.
En su proyecto "Altrafulla" hace un estudio sobre los deseos de los habitantes del pueblo Tarragonés Altafulla, construyendo así un pueblo imaginario donde son cumplidos y dejando al descubierto la precariedad de la realidad que se puede distinguir en los paisajes reales del mismo.

Joan Fontcuberta_“la perversidad (...) entre la imagen y su referente, lo supuestamente real (...) ” Baudrillard

Joan Fontcuberta ( Barcelona, 1955 )

Su extensa obra fotográfica se caracteriza por el uso de herramientas informáticas en su tratamiento y su dialéctica con el espectador, utilizando su trabajo para cuestionar las convenciones de lectura de las imágenes en la sociedad. Representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas e históricas a través de la fotografía y su contexto.

Genera narrativas que, justificadas con imágenes construidas, funcionan como anzuelos para atrapar a los espectadores que acepten las fotografías como documentos de historias verídicas. Construye plataformas de discurso jerárquico para que sus ficciones se lean como realidad pero dando pistas para poder desactivarlas.

En el caso de Sputnik construye imágenes de una historia ficticia relacionandola con la Historia, y creando no solo un personaje que hubiera sido borrado de ella, sino también toda una institución que se dedica al estudio de este hecho. En la presentación del proyecto una actriz que habla ruso representaba la presidenta de dicha institución y él se presentaba como el analista de los documentos encontrados.

En una de sus conferencias, Fontcuberta, explica el proyecto comentando las estrategias que tuvo que generar para no ser descubierto como mentor del mismo y a la vez que su identidad estuviera presente. Así le dió su nombre en ruso al personaje protagonista de la historia y lo representa en las imágenes presentadas.

(…) “De forma que no hace falta estudiar la fotografía como un medio expresivo per se, sino en relación a otros campos: psicología, sociología, historia, arqueología,... Esto ha propiciado que gente de otros ámbitos haya utilizado la fotografía como una herramienta de reflexión y haya escrito, hablado, pensado sobre fotografía desde otros puntos de vista.”

“La imagen de plata era la garantía de la objetividad, de la verosimilitud. Por lo que respecta a la imagen de silicio, tenemos que ver el impacto del paso del grano de plata al píxel. Descubrir a qué equivaldrá la impronta de la luz sobre el escáner, el sensor, el ccd o lo que sea. Evidentemente sigue habiendo una huella, pero el problema es que en estos momentos hay pasos de mediación que son mucho mas importantes. Cuando hacemos una fotografía con el sistema fotoquímico impresionamos un negativo y ya tenemos una imagen formada. Ahora, con una cámara digital esto también pasa, pero cada punto de esta superficie puede ser manipulado individualmente. Esto abre las posibilidades de reestructurar la imagen.
Yo creo que la diferencia fundamental es que la fotografía tradicional se inscribe, y la digital se escribe. O sea, estamos pasando de la inscripción a la escritura, estamos volviendo a la pintura o, finalmente, al texto. La fotografía digital nos retorna al estadio en el que nosotros volvemos a hacer líneas, puntos y letras. En conjunto el resultado se parece mucho a la superficie fotográfica tradicional, pero la estructura creativa y el proceso es totalmente diferente. Esto hace que se propicie otro tipo de campo creativo, por ejemplo un tipo de imagen mucho más narrativa.”

"Porque hay un margen tan pequeño entre la verdad y la apariencia de verdad que permite a los escépticos (y a los ventajistas) creer que, en el mejor de los casos, no es posible descubrirla, y en el peor, no existe. Pero no es cierto. Sólo hay que usar el sentido adecuado para percibirla."*

"SPUTNIK. LA ODISEA DEL SOYUZ 2"

*Extraido de los textos de Sputnik.

An-my Lê_Fotografía hiperrealista, supera el real, lo excede con sus propios mecanismos de suma de elementos.

An-my Lê (Saigon, Vietnam, 1960)

De nacionalidad vietnamita, se trasladó a los Estados Unidos como refugiada política a los 15 años.
En 1999 empezó a trabajar con un grupo de “reconstructores” de la Guerra de Vietnam en el estado de Carolina del Sur, que ponen en escena las batallas, el entrenamiento y la vida diaria de los soldados, tanto vietnamitas como norteamericanos. An-my Lê formó parte de estos grupos durante un tiempo y fotografió batallas de la Guerra de Vietnam representadas allí, lejos de la guerra real. El resultado fue la serie Small Wars (Pequeñas Guerras).
La artista se trasladó a la base de Marines del Desierto de Mojave (California), donde fotografió a los soldados americanos durante sus entrenamientos, en sus roles y en el de sus adversarios. Las prácticas incluían desde vestirse como la policía iraquí hasta realizar pintadas antiamericanas en antiguas viviendas militares.

Lê trata la guerra desde su preparación para el combate, desde el mismo simulacro donde los actores que van a ser puestos en escena practican una y otra vez sus acciones con la máxima seriedad, y donde aunque no se vean explícitamente pueden leerse sus secuelas.

Las fotografías tienen carácter documental, es decir que podrían ser interpretadas como fotos de guerra de las que hemos visto a millares. En este caso lo interesante es que en el mismo simulacro puede leerse la guerra, el polvo, los muertos y todo lo demás.

Small Wars: 29 Palms: Mechanized Assault, 2003-04

Keith Cottingham_Fotografía hiperrealista, supera el real, lo excede con sus propios mecanismos de suma de elementos.

Keith Cottingham (Los Ángeles, 1965 ).

El el trabajo Fictitious Portraits Keith Cottingham se construye a partir de figuras de cera fotografiadas, personajes que no existen. Son retratos inquietantes. La certeza visual que nos ofrece una fotografía se desvanece. Estamos ante una presencia ficticia de clones virtuales de un ser humano sin referente. No existe un original ni existencia física y tan sólo posee una existencia electrónica. Al fin y al cabo no son más que ceros y unos, sin embargo es consumida como imagen real en muchos casos gracias a su apariencia verídica.

Son fotos hiperrealistas de un joven puramente imaginario. Cottingham trabaja sobre las inquietudes sociales que pueden generar la clonación humana y el pánico que podría generar el encuentro hipotético con un doble exacto de nosotros mismos.

La identidad vulnerada y el rol del artista como posible creador-manipulador son temas que quedan explícitos en su trabajo, construyendo los rostros de estos personajes desde su autorretrato.

”Utilizo dibujos anatómicos, esculturas de cera y montaje digital para crear un híbrido entre mi mismo y otros. Creando múltiples personas de mi mismo expongo que la identidad es como una cinta de Moebius sobre la cual las realidades sociales describen el cuerpo.”

Fictitius Portraits series, Untitled (Triple).archival Fuji color coupler prints
image size, 38" X 46" vertical. edition 12. 1992.

Jeff Wall_Fotografía hiperrealista, supera el real, lo excede con sus propios mecanismos de suma de elementos.

Jeff Wall (Vancouver,Canadá, 1946)

"Mi trabajo se basa en la representación del cuerpo. En el medio fotográfico, esta representación consiste en la construcción de gestos expresivos que pueden funcionar como emblemas."

El trabajo de Wall se basa en la construcción de imágenes que aparentemente podrían ser tomadas del cotidiano, sin embargo, la puesta en escena es fundamental para cuestionar el tratamiento de la fotografía en sí (como se la categorizaba de manera convencional) y construir un discurso social, político, artístico a traves de la influencia del cine y la literatura, utilizando escenas que captan acciones específicas como modo de acercarse a la realidad pero sin representarla.

El fotomontaje y tratamiento digital es básico para cuestionar el rol del fotógrafo convencional y posicionarse casi como director de cine, quien contempla la escenografía, la técnica y la postproducción como parte del proceso de construcción de la obra. Las cajas de luz que utiliza para presentar sus fotografias también hacen un puente entre lo publicitario y lo artístico, generando redes que unen la historia del arte y los medios tecnológicos actuales, desmitificando así el mundo del arte como un único circuito donde las cosas no se suceden como interrupciones sino como un contínuo, dejando espacio a las interrelaciones entre la historia del arte y el arte actual.

El foto-conceptualismo es una corriente que busca la creación de imágenes a partir de no-acontecimientos. Wall es uno de los fotógrafos que se los relaciona con ese movimiento.

En Milk, hace una reflexión sobre la naturaleza del líquido y la mecanicidad del medio fotográfico que generan una diláctica complementaria. Pudiendo a partir de la segunda comprender la primera.

En A sudden gust of wind (after Hokusai), 1993, inspirada en el grabado del autor japonés, para cuyo montaje Wall usó más de cien fotografías para dar un efecto de movimiento a las hojas arrastradas por el viento.
En Mimic hace una clara referencia al racismo y a las diferencias entre las clases sociales. Cuando el inmigrante tiene una posición económica más elevada que los locales se genera cierta tensión.

Mimic: caja de luz de 198 cm por 229 cm (1982)
















Milk: caja de luz 187x 229 cm(1984)

A sudden gust of wind (after Hokusai): caja de luz de 229 x 377 cm (1993)